Virgen de Guadalupe por Martina Franco

VIRGEN DE GUADALUPE (MÉXICO) Nuestra señora de Guadalupe, es una advocación mariana de la Iglesia católica, cuya imagen tiene su principal centro de culto en la Basílica de Guadalupe, en el norte de la ciudad de México. De acuerdo a la tradición mexicana, la Virgen María se apareció cuatro veces a san Juan Diego Cuauhtlatoatzin en el cerro del Tepeyac. Según el relato guadalupano conocido como Nican mopohua, tras una cuarta aparición, la Virgen ordenó a Juan Diego que se presentara ante el primer obispo de México, Juan de Zumárraga. Juan Diego llevó en su ayate unas rosas ―flores que no son nativas de México y que tampoco prosperan en la aridez del territorio― que cortó en el Tepeyac, según la orden de la Virgen. Juan Diego desplegó su ayate ante el obispo Juan de Zumárraga, dejando al descubierto la imagen de la Virgen María, morena y con rasgos mestizos. Las mariofanías tuvieron lugar en 1531, ocurriendo la última el 12 de diciembre de ese mismo año. La fuente más importante que las relata es el Nican mopohua, atribuido al indígena Antonio Valeriano (1522-1605) y publicado en1649 por el presbítero Miguel Sánchez en su libro Imagen de la Virgen María Madre de Dios de Guadalupe, contribuyendo a divulgar ampliamente la devoción guadalupana.

La pintura barroca en Flandes y en Holanda por Gustavo López Cantón

La pintura flamenca y holandesa realizada durante el siglo XVII permite observar la gran variedad de estilos agrupados en torno al barroco. En Flandes, la pintura respondió a unos planteamientos contrarreformistas, ejemplificados en la obra de Pedro Pablo Rubens. Por otra parte, la incipiente sociedad burguesa surgia en Holanda, alejada de los planteamientos contrarreformistas, produjo una pintura basada en la observación objetiva de la naturaleza, que tuvo Frans Hals, Rembrandt Van Rijo y Johannes Vermeer a sus principales representantes.
El estallido nacionalista de los países bajos contra el poder absoluto y centralista de Felipe II propició que a fines del siglo XVI se llegara a la ruptura entre las regiones del sur y del norte del país. Consolidada dicha ruptura mediante la unión de Utrecht (1579) se definieron dos zonas que en los sucesivos conflictos desarrollados durante el siglo XVII permitieron establecer dos modelos de sociedad, teniendo como fondo la disputa entre católicos y protestantes. Este contexto histórico se puede percibir con meridiana claridad atendiendo al distinto desarrollo de la pintura realizada en amos países. En Flandes, la pintura estuvo al servicio de las necesidades contrarreformistas, siendo su principal representante Pedro Rubens, crador del Barroco flamenco quien conjugó en su estilo la tradición pictórica flamenca con la italianizante, al estudiar concienzudamente la obra de los maestros italianos del siglo XVI. Junto a él, cabe destacar a un notable grupo de pintores, como Antonio Van Icyck, Jacob Jordaens y David Teniers. En cambio, en Holanda la pintura tuvo como tema central la vida cotidiana y la naturaleza. Sus principals creadores fueron Frans Hals, Johannes Vermeer y, sobre todo, Rembrandt Van rijo, considerado como el artista holandés de su tiempo

FRANCESCO CASTELLI "BORROMINI" FUE UNO DE LOS ARQUITECTOS MAS IMPORTANTE DEL BARROCO. HECHO POR LUCIANO STRAFACCIO.

Fue un Arquitecto italiano, uno de los más importantes del siglo XVII. Junto con otras grandes figuras de su época, como Gian Lorenzo Bernini y Pietro da Cortona, y principalmente gracias a sus iglesias, transformó la antigua Roma en una ciudad barroca. En sus edificios, el vacío y el lleno se combinan en una culminación de la búsqueda barroca de espacios dramáticos. Francesco nació el 25 de septiembre de 1599 en Bissone, junto al lago Lugano, y su auténtico apellido era Castelli, pero lo cambió a los 28 años por el de su madre, Borromini. Su padre era un cantero y heredó este oficio, gracias al cual pudo participar en la construcción de la basílica de San Pedro, bajo la dirección de Carlo Maderno. El anciano maestro le nombró supervisor de sus obras en el Vaticano y en el Palacio Barberini. El primer encargo que recibió como arquitecto fue la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane (1638-1641; fachada concluida en 1667). La traza general se compone de una planta en forma de rombo, formada por la unión de dos triángulos equiláteros, cubierta por una cúpula oval. Su fachada, más alta que la propia iglesia, presenta una ondulación que se convirtió en el arquetipo de las iglesias barrocas de Roma. Borromini construyó Sant Ivo della Sapienzia entre 1642 y 1660, que sigue siendo la iglesia de la Universidad de Roma. El templo se levanta a partir de un hexágono regular estrellado, pero lo más original es su cúpula hexagonal sin transición con la planta, construida como una continuación solidaria con la geometría fundamental del templo. Otras de las obras del maestro italiano fueron la nueva fachada de Sant. Su último gran proyecto fue el Colegio de Propaganda Fide (1646-1667), centro de la orden jesuita en Roma, un sorprendente palacio barroco completamente sometido a un concepto geométrico unitario. El 2 de agosto de 1667 Borromini se suicidó. Más que cualquier otro arquitecto coetáneo, consiguió una nueva forma de expresión arquitectónica con sus muros ondulantes, cóncavo-convexos, así como con sus originales volúmenes, desarrollados a partir de un motivo geométrico. Sin embargo, nunca rechazó el estudio de los modelos clásicos, incorporando a su obra rasgos de la arquitectura antigua y de la renacentista.

Bóveda de la iglesia de San Carlos de las cuatro fuentes, San Carlino (Roma).

Características Generales sobre "EL ARTE GÓTICO" según Matias Scalbi

  Contexto Histórico y Localización ESPACIAL-TEMPORAL:

 El arte Gótico se desarrolla en Europa Occidental desde la segunda mitad del siglo XII hasta fines del siglo XV , sustituido por el Renacimiento . Francia es la cuna de este estilo y desde aquí se difunde por otra Europa . El surgimiento y desarrollo del Gótico coincide con cambios notables en Europa : Inicio  de la decadencia del Sacro Imperio Romano Germánico y del sistema feudal puro a favor de las monarquías y a causa del auge del comercio tras las Cruzadas , lo que favorece el desarrollo de las ciudades y la aparición de una nueva clase social burguesa ; la renovación del saber en las universidades y el surgimiento de una nueva espiritualidad mas humanizada y próxima a la naturaleza , que se expresa en las nuevas ordenes religiosas mendicantes ( Franciscanos y Dominicos ) . La Orden del Cister , reformada por San Bernardo de Claraval , sera la promotora del desarrollo del estilo Gótico , favorecido por los nuevos avances científico-técnicos.

Tipologia :

El edificio mas característico del gótico es la catedral , templo de la sede episcopal , que se convierte en el símbolo del poderío económico de la ciudad y del prestigio de sus habitantes .

Características Generales :

 La arquitectura gótica emplea sillares de piedra bien labrados . Sus elementos esenciales son el arco apuntado y la bóveda de crucería . Este tipo de bóveda concentra los esfuerzos en cuatro puntos determinados en que apoyan los nervios cruzados , lo que permite prescindir de los muros macizos del Románico , sustituidos por amplios ventanales con vidrieras de mayo luminosidad . Es mas ligera al completarse los espacios entre los nervios con plementeria , lo que permite elevar el conjunto . Al evolucionar el Gótico se emplean otros tipos de arcos ( Conopial , carpanel) y de bóvedas mas complejas y  decorativas ( Sexpartitas , Deterceletes)

Pintura Gótica. Escrito por Facundo Pérez

Hasta alrededor del 1200 no apareció un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico»; es decir casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el período previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor del 1200, en Alemania en torno al 1220 e Italia alrededor del 1300. Es usual indicar que, mientras en el románico las representaciones figurativas son simplificadas e idealizadas, en el gótico se tiende a aumentar el realismo y naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, que, no obstante, sigue siendo poco usual. En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.
               

"PINTURA ARTE COLONIAL" Por Sofia Matich

PINTURA ARTE COLONIAL:

Las primeras influencias fueron del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, –algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú–, como se puede apreciar en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. En Cuzco, esta influencia sevillana fue interpretada de modo particular, con abundante uso de oro y una aplicación de estilo indígena en los detalles, si bien inspirándose por lo general en estampas flamencas. La Escuela cuzqueña de pintura surgió a raíz de la llegada del pintor italiano Bernardo Bittien 1583, que introdujo el manierismo en América. Destacó la obra de Luis de Riaño, discípulo del italiano Angelino Medoro, autor de los murales del templo de Andahuaylillas. También destacaron los pintores indios Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Puma Callao, así como Marcos Zapata, autor de los cincuenta lienzos de gran tamaño que cubren los arcos altos de la Catedral de Cuzco.


En el siglo XVIII los retablos escultóricos empezaron a ser sustituidos por cuadros, desarrollándose notablemente la pintura barroca en América. Igualmente, creció la demanda de obras de tipo civil, principalmente retratos de las clases aristocráticas y de la jerarquía eclesiástica. La principal influencia será la de Murillo, y en algún caso –como en Cristóbal de Villalpando– la de Valdés Leal. La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas más dulces y blandas. Destacan Gregorio Vázquez de Arce en Colombia, y Juan Rodriguez Juarez y Miguel Cabrera en México.





En la actualidad la pintura latinoamericana es altamente heterogénea e individual. Entre los artistas de la región que sobresalen internacionalmente cabe mencionar al argentino León Ferrari, los brasileños Vik Muniz y Cildo Meirelles, el chileno Claudio Bravo, el colombiano Fernando Botero, el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, los mexicanos Francisco Toledo, Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, Pedro Friedeberg, Ignacio Barrios, Jorge Marín, Luis Nishizawa Flores y los peruanos Teodoro Núñez Ureta yFernando de Szyszlo, entre muchos otros.

La Catedral de la Virgen María de la Concepción Inmaculada. Por Catalina Capisano

La Catedral de la Virgen María de la Concepción Inmaculada de La Habana es el mayor exponente del estilo barroco colonial desarrollado en Cuba en el siglo XVIII, diseñada por el arquitecto italiano Francesco Borromini, fue declarada por la UNESCO en 1982 Patrimonio de la Humanidad.


La concavidad de su fachada, que es una de las más importantes de la arquitectura cubana, la forma de la cornisa intermedia, así como los espirales laterales y el remate superior, son detalles que que magnifican los elementos habituales dentro del estilo que no permiten dudar de su clasificación.


Su construcción fue impulsada por la Compañía de Jesús, pero las obras fueron paralizadas al ser expulsada esta de los dominios españoles en el año 1767. Las obras se reanudaron poco después con la intención de trasladar a ella la Parroquial Mayor de la Villa, siendo terminada hacia el 1777, e investida con el rango de Catedral diez años después. A pesar de las modificaciones a su interior, se ha conservado la distribución de planta en cruz con 3 naves, capillas laterales y una cúpula sobre el crucero.

Del movimiento egipcio: "La Momificación" Hecho por Milagros Pacheco Aguirre

Después de la muerte para los egipcios sobrevenía la vida eterna, que era una prolongación de la vida terrenal, con los mismos placeres, incomprensiones y peligros, pero necesitaban para que esto ocurriera, contar con el cuerpo, donde pudiera alojarse el alma.


Para conservarlo en buen estado, utilizaron un procedimiento llamado momificación, que demandaba aproximadamente 70 días, y que había sido aprendido por la observación de los primeros entierros, realizado bajo las arenas del desierto, que habían consumido la humedad del cuerpo y evitado su putrefacción.


Consistía en extraer las partes corruptibles del cuerpo que se colocaban en jarras cerradas herméticamente. Luego se cubría el cuerpo con natrón, un polvo blanco semejante a la sal, que permitía su secado. Se lo untaba con aceites perfumados, cubriéndolo luego con resina líquida. Posteriormente se lo envolvía con lino, de manera apretada. Cada vuelta del vendaje iba acompañada de una palabra mágica.


La momia era colocada en un sarcófago ,que tenía la forma de la momia que contenía y sobre el cuál se pintaba un retrato de la persona muerta. Contenía también ciertas indicaciones sobre la jerarquía o calidad que había tenido la persona en vida.


El uso del sarcófago se justificaba ya que la idea de ser enterrados en la arena espantaba a los egipcios. Esta modalidad permitía que el difunto estuviera protegido del mundo exterior, pero siguiera en contacto con él, a través de los ojos o de los oídos dibujados en el exterior de la caja.

Tutankamón fueun faraón egipcio de la Dinastía XVIII. Su reinado se caracterizó por un retorno a la normalidad en el plano socio-religioso. Tras su temprana muerte, fue enterrado en el Valle de los Reyes, y sutumba, descubierta en 1922, ha sido el único sepulcro de faraón que ha llegado a nuestros días sin haber sido expoliado por saqueadores. De este mismo hecho procede la fama de su sarcófago.

En lacámara funeraria, la única decorada con pinturas, se encontraron cuatro capillas de madera cubiertas de oro, encajadas cada una dentro de la anterior, que cubrían, a su vez, un sarcófago de cuarcitaroja que contenía tres ataúdes(sarcófagos) antropomorfos, también encajados uno dentro de otro, de madera chapada en oro los dos más exteriores y, de oro macizo, el más interior. Dentro del últimoestaba la momia del joven faraón, con la cabeza y hombros cubiertos por la célebre máscara funeraria junto con ciento cuarenta y tres joyas diseminadas entre los vendajes.

Pintura Bizantina. Por: Budde Román

El arte bizantino refleja la influencia tanto griega como oriental, sin soslayar los efectos de la pervivencia del Imperio romano. Se constituyó en un arte prioritariamente místico, cuya función era elevar la mente hacia el plano de lo divino: a través de la contemplación y de la vivencia de lo magnífico, de la constatación física de la grandeza y de la belleza artísticas, el hombre adivinaba la omnipotencia de Dios.


La pintura mural se realizaba al óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, de carácter simbólico y muy compatible con la mentalidad abstracta de los pueblos orientales. El fondo de oro, no oculta la falta de paisaje , pero este se representa en su concepción abstracta. Más que espacio, las formas del arte bizantino son color, colores brillantes e irreales, significación de un ideal; así las sombras y claroscuros apenas existen.


En estas pinturas no se trata de imitar a la naturaleza o la imagen del hombre en detalles sino que se elabora una representación racional del concepto de estos. No importa si tiene sentido la representación de las figuras en el conjunto en cuanto a tamaño de las mismas en relación unas a otras, o si los escenarios son realistas, o si las manos tienen las proporciones adecuadas en relación al resto del cuerpo, para estos pintores mientras el mensaje se entendiera con claridad todos los demás elementos son secundarios y totalmente subordinados a el propósito principal de propaganda.


La pintura bizantina es hierática y rígida, frontal y estilizada, marcando mucho la espiritualidad. El exceso de culto por las imágenes propio de la época dará origen al movimiento iconoclasta.


En las bóvedas y cúpulas se decora frecuentemente con las imágenes de la Virgen, el descendimiento de Jesús, el Cristo, la Resurrección, l Juicio Final, la Gloria, entre otras.






○"Virgen y el Niño" (fines del siglo XIII, National Gallery of Art, Washington). Se dice que en esta obra se refleja la influencia italiana manifiesta en el mundo bizantino durante esta época.

○"Virgen de Vladimir" (s. XII), Constantinopla 1125.

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 Escultura Árabe. Por Tiara Di Lorenzo.


La escultura de esta fase es siempre plana, generalmente tallada a bisel, siguiendo la técnica de periodos anteriores y sus temas son generalmente vegetales y geométricos. Se suele situar principalmente en "capiteles", en algunos casos como San  Miguel  de Escalada o San Cebrián de Mazote, de gran calidad.
Hay que mencionar la decoración, generalmente a base de dibujos geométricos inscritos en lóbulos, de los modillones de piedra o madera que sostiene el alero de casi todas sus construcciones.

Escultura Gótica, por Tomás Bertorello

En la escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.
Las esculturas góticas nacieron en los muros de las iglesias, a mediados del siglo XII en la Isla de Francia, cuando el abad Suger hizo construir la abadía de Saint-Denis (h. 1140), considerada el primer edificio gótico, y muy pronto le siguió la catedral de Chartres (h. 1145). Anteriormente, no había tradición escultórica en la Isla de Francia, así que los escultores se traían de Borgoña, quienes crearon las revolucionarias figuras que actuaban como columnas en el Pórtico Real de Chartres. Era un invento enteramente nuevo y proporcionaría el modelo para una generación de escultores.
Las ideas francesas se divulgaron. En España la penetración del gótico francés se hizo a través de maestros y obras que llegaron procedentes de este país, por ejemplo en Cataluña la influencia del taller de Rieux es bastante evidente en la virgen del Patrocinio de Cardona. En Alemania, desde 1225 en la catedral de Bamberg en adelante, el impacto se encuentra en todos los lugares. La catedral de Bamberg tiene el más amplio conjunto de escultura del siglo XIII, culminando en 1240 con el Caballero de Bamberg, la primera estatua ecuestre en el arte occidental desde el siglo VI, y que se cree que retrataba a Conrado II.
En Inglaterra la escultura estaba más limitada a monumentos funerarios y decoraciones no figurativas, en parte debido a la iconoclastia cisterciense. En Italia aún persistía la influencia clásica, destacando obras como el púlpito del baptisterio de Pisa (1269) y el de la catedral de Siena. Una obra maestra tardía de la escultura gótica italiana es la serie de tumbas de los Scaligeri en Verona.
Las técnicas de tallado de madera se hacen cada vez más sofisticadas, llegando a su máximo esplendor en la integración del color y el diseño arquitectónico de complejísimos retablos. La recuperación de la tradición clásica de la fundición del bronce deberá esperar al renacimiento italiano.
El escultor flamenco-borgoñón Claus Sluter y el gusto por el naturalismo marcó el comienzo del fin para la escultura gótica, evolucionando hacia el clasicista estilo renacentista a finales del siglo XV.

“La Cerámica en la Grecia arcaica: cerámica de figuras negras y de figuras rojas.”, por Martina Kellemberger.

La cerámica ática (600 a. C.-525 d.C.) estaba destinada a alcanzar un alto grado de perfección técnica y estilística.

Se pueden distinguir dos tipos principales de decoración: la cerámica de figuras negras y la de figuras rojas. En la cerámica de figuras negras dejaban el fondo del color de la arcilla y decoraban con figuras en negro. Ésta técnica se deriva de la cerámica corintia, aunque en el período ático es donde adquiere mayor esplendor. Las figuras humanas eran estilizadas y con un mínimo de detalles. La cerámica de figuras rojas fue el último gran estilo de la cerámica pintada griega. Las figuras humanas eran más detalladas y precisas. En lugar de pintar la figura negra sobre el fondo rojo, se invirtió el proceso y se pintó el fondo de negro, dejando la silueta de la figura en rojo; los detalles se pintaban sobre la figura con una delgada línea negra o bien una gruesa línea marrón.

En cuanto a las imágenes representadas, los pintores tocan toda clase de temas en ambos tipos de decoración:

•Religiosos y mitológicos (los dioses y su culto, los héroes y sus hazañas)

•El deporte

•La guerra

•La literatura

•El arte

•La vida cotidiana (el trabajo, los banquetes y las festividades)

•El universo femenino (la boda, el trabajo y la maternidad)

Uno de los vasos más famosos es el vaso François, que se encontró en Italia. Está exhibido en el Museo Arqueológico de Florencia (Italia) y mide 66cm. Es procedente de Chiusi (Etruria) y es la obra más importante de la producción ática de figuras negras. Se trata de una crátera con volutas (tipo de vasija), obra del alfarero Ergótimo y pintada por Clitias, hacia el año 570 a.J.C. Representa, distribuida en zonas, una carrera funeraria en honor de Patroclo (personaje de la Ilíada) y una escena de caza. Presenta 250 personajes y 128 inscripciones.


                        
                                                      (Vaso François)

"Pirámides Egipcias" Hecho por Paula Greco

Si nombramos Egipto, no podemos dejar de mencionar sus tan famosas pirámides: una de las arquitecturas mejor pensadas e ideadas de todos los tiempos.
Todo empezó entre el año 2630 y el 1640 antes de Cristo, cuando los faraones egipcios construyeron tumbas en forma de pirámides para guardar los cuerpos momificados rodeándolos de tesoros y objetos personales.
La construcción de las Pirámides requirió una gran cantidad de años, mano de obra y recursos económicos, lo que nos demuestra la enorme importancia que tenía la muerte en el Antiguo Egipto. Ya que creían en la “vida después de la muerte”.

¿Cómo fueron hechas estas arquitecturas? No se sabe con certeza cómo se construyeron, ya que no han perdurado documentos de su época que lo describan. Además, se utilizaron diversos materiales (piedra escuadrada, piedra sin tallar, adobe) y variadas técnicas en la construcción de sus núcleos (apilamiento de bloques, muros resistentes conformando espacios rellenos de cascotes, etc.).
Las pirámides más conocidas son: la Pirámide de Keops, la de Kefren y la de Micerino, en Giza, cerca de El Cairo. Aunque existen otras que no son tan mencionadas.
Hoy en día son la única de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo que han sobrevivido.

Movimiento Bizantino: Arquitectura de las iglesias. Hecho por Ignacio Carrió

  La iglesia bizantina constituye una manifestación teológica que pretende ser el resumen de la fe cristiana; buscan, por tanto, representaciones trascendentes y rechazan todo aquello que manifieste materia. Se trata de que todos los aspectos estilísticos y estéticos de estas artes aproximen al hombre a lo divino.

  En consecuencia buscan la anulación espacial mediante:

•   Fondos de oro como telón de fondo y si no se usa el oro, telones cromáticos.
•   Representación de paisajes y arquitecturas totalmente conceptuales.
•   Los suelos no tienen relación real con los objetos o figuras que se depositan en ellos.
•   Se usan perspectivas conceptuales: las jerárquicas y las diversas fundamentalmente.
•   Se buscan los arquetipos intemporales, las figuras-esquema, que anulen el concepto de tiempo. Esto lo logran mediante: 

1.   Se suprimen los moldeados y las sombras, que dan sensación de plasticidad y relieve. Por el contrario, predomina la línea.
2.   Tendencia a figuras muy estilizadas, ya que la estilización contribuye a manifestar espiritualidad.
3.   Impasibilidad e inmovilidad.
4.   Las figuras siempre se proyectan en dos dimensiones, anulan conscientemente la tercera dimensión.

  Generalmente, todas las iglesias repiten este estilo.

  Todas se dividen de la siguiente forma:

•   El nivel inferior (en los muros): deben aparecer exclusivamente patriarcas del Antiguo Testamento, profetas, apóstoles, mártires y obispos.
•   En el nivel medio (trompas, pechinas, tímpanos...): deben aparecer historias de la vida de Cristo que recojan sus momentos más trascendentales.
•   En el nivel superior (cúpulas y bóvedas de horno en los ábsides): debe aparecer Cristo en majestad, la Virgen y los ángeles.

 

CATEDRAL SANTO DOMINGO HECHO POR JULIANA RUBIO

CATEDRAL DE SANTO DOMINGO


Una vez que se ha descubierto el continente, tiene lugar su ocupación . La primera etapa de la conquista se produce en el Caribe.

Será en Santo Domingo donde mejor se transfiera la cultura española debido a la inexistencia de una cultura aborigen fuerte.

La Catedral de Santo Domingo es una obra esencial ya que se comprueba que el español adapta a las características del lugar la experiencia que trae, adecuándolo a las necesidades de la población

La arquitectura del edificio se caracteriza por sus sólidas paredes y sus tres puertas, dos de ellas góticas en contraste con la tercera y principal de estilo plateresco.

La catedral contiene un vasto tesoro artístico constituido con retablos, cuadros, ebanistería antigua, mobiliario, monumentos y lápidas funerarias, entre otros objetos. Se destacan los mausoleos de los arzobispos del período colonial, también es de mencionarse la lápida funeraria de Simón Bolívar, uno de los antecesores del Libertador.

En la catedral se albergaron durante un tiempo los restos de Cristóbal Colón los cuales se mudaron al Faro a Colón. El valioso trono arzobispal, de estilo plateresco está fechado en 1540. Formaba parte del coro bajo, desmantelado a finales del pasado siglo para colocar el monumento de mármol en que se guardaron los restos de Cristóbal Colón.

La Catedral está construida con piedra calcárea, aunque algunos muros son de mampostería y ladrillos, y cuenta con doce capillas laterales, tres naves libre y una nave principal. La cubierta de la nave central es a dos aguas. Las de las naves laterales está constituida por bóvedas de crucería que se acusan al exterior, como si se tratara de cúpulas semiesféricas. La longitud mayor de la basílica es de 54 m en la nave central hasta el fondo del presbiterio. El ancho de las tres naves es de 23 m. La altura mayor de piso a bóveda alcanza los 16 metros, y el área construida sobrepasa los 3.000 metros cuadrados. Catorce capillas laterales fueron construidas a lo largo de la historia de la catedral.

"Columnas griegas", hecho por María Emilia Monill

Las columnas griegas se pueden dividir en tres tipos: Dórico, Jónico y Corintio.

Columnas Dóricas: El estilo de columna más simple, el dórico, fue creado por los dorios de la antigua Grecia. Se caracterizan principalmente por carecer de base. Presentan cuerpos robustos, más anchos en la parte inferior, y superficies planas con una sección cuadrada llamada ábaco que conecta el capital con el edificio. Los romanos agregaron una base a su versión de la columna dórica, que también era más delgada que el estilo griego. Las columnas dóricas se consideran el estilo más masculino y aparecen tradicionalmente en edificios públicos.




                                            

Columnas Jónicas: Las columnas jónicas decorativas, originalmente diseñadas por los jonios de la antigua Grecia, se consideran el tipo más femenino de pilar. Generalmente, aparecen en pequeños edificios debido a su largo y fino eje y a su capital decorativo. El capital presenta dos volutas (formas espiraladas que se parecen a pergaminos) en ambos lados del eje. El Coliseo y el Templo de la Fortuna Viril (dos marcas romanas famosas) presentan pilares jónicos.




                                            
    
Columnas Corintias: Los pilares corintios son el estilo de columna más elaborado, creado por los antiguos griegos. Estas columnas suelen presentar un eje muy fino y aflautado y un capital tallado con hojas en el diseño de acanto (una planta de cardo del Mediterráneo). Los romanos usaban este diseño de columna más que los griegos, agregándole más diseños ornamentales. Al igual que el estilo jónico, las columnas corintias incluyen una base decorativa. El Panteón romano presenta ejemplos famosos de columnas corintias.


                                            

Movimiento Gótico: "Iglesias" por Tomás Chequín

Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.
A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint de Denis (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).
Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante superficial.
A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint de Denis (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).

Movimiento Árabe y Mozárabe: Las Iglesias en Asturias, Galicia y Castilla. Hecho por Priscila Maxera.

Un aspecto a destacar dentro de el movimiento Árabe y Mozárabe es la arquitectura de las diferentes Iglesias fundadas por los cristianos que vivían bajo autoridad musulmana. La arquitectura mozárabe se relaciona intensamente con la asturiana como puede verse en la Iglesia de Santa María de Lebeña y en la de santa María de Wamba.

(Iglesia de Santa María de Lebeña)

Otros edificios reconocidos del movimiento en cuestión, son por ejemplo el edificio Santiago Peñalba, de base única, fechable en el segundo cuarto del siglo X,  con transepto de brazos muy salientes. Aquí como en San Cebrián de Mazote (mayor templo hispano de este período), aparece la generalización de la cúpula que se levanta en la parte central del crucero y que se traduce en el exterior como una pequeña torre. También el oratorio de San Miguel de Celanova, en Galicia, es de nave única. En Castilla, el famoso monasterio de San Milán de la Cogolla conserva la Iglesia superior de San Milán de Suso, que corresponde ya a los últimos años del siglo X en los que el movimiento Árabe y Mozárabe iba tomando su fin.

(Interior del Monasterio de San Milán de la Cogolla)

Del movimiento griego: "El Partenon" por Agustina Montefeltro

El Partenón es uno de los principales templos del periodo dórico que se conserva, construido entre los años 447 y 432 a. C. y está dedicado a la diosa griega Atenea, a la que los atenienses consideraban su protectora.




Lo realizo Pericles como agradecimiento a los dioses por su victoria contra los persas y los arquitectos encargados de la obra fueron Ictino y Calícrates y estuvieron, en la mayoría de los casos, bajo las órdenes del arquitecto y gran escultor ateniense Fidias, autor de la decoración escultórica y de la gran estatua de Atenea que estaba situada como figura principal del templo.


La decoración escultórica del Partenón es una combinación única de las metopas, los tímpanos y un friso. En ellos están representadas varias escenas de la mitología griega. Algunas partes del templo estaban pintadas de colores vivos.


El Partenón es un muy buen ejemplo del periodo dórico como ya antes dijimos, pero este no es el único.


La arquitectura griega se divide en 3 grandes períodos: el dórico, jónico y corintio que se caracterizan según el diseño de las columnas. El dórico no utiliza basa; el fuste de la columna descansa directamente sobre el estilóbato, que es el escalón superior del estereóbato, una plataforma con escalones cuyo borde escalonado se conoce como crepidoma. El fuste es de sección circular, corto y poco esbelto. El tamaño total de la columna no sobrepasa los 16 módulos, siendo normalmente el del fuste de entre 8 y 13 módulos. Está acanalado por 20 estrías. Su diámetro que va disminuyendo con la altura más acusadamente cuanto más arriba, que produce la sensación de un ligero abombamiento en la parte central.Explicamos solo el Dorico porque en ese periodo fue hecho el Partenon. La construcción del monumento fue realizada en mármol blanco del monte Pentélico.

Los Mosaicos Bizantinos. Hecho por Nicolás D'Amico.

El arte bizantino alcanzó su cenit en el año 527 d.C con los célebres mosaicos de Justiniano y Teodora, ubicados en la Iglesia de San Vital, en Ravena (Italia) El templo cuenta con una planta central y octogonal, coronada por una cúpula central. Su exterior no es muy decorado, con el ladrillo y el mortero como materiales esenciales. En el interior de la Iglesia, se destaca la decoración de los mármoles y los coloridos mosaicos en las paredes.
Estos mosaicos se usaban para decorar y enriquecer los interiores de las basílicas. Los bizantinos utilizaron sobre todo el mosaico, que prácticamente sustituyó a la pintura.
Las imágenes constituían casi un texto visual al servicio de la Fe: las figuras y los símbolos debían dar a conocer a los fieles las verdades fundamentales del cristianismo. De ese mundo sobrenatural formaba parte, al menos en los primeros siglos, el emperador como representante de Dios en la Tierra.

Características del Mosaico:

-Riqueza visual: la variedad de teselas fabricadas con materiales vítreos o dorados enriquece la gama cromática del mosaico.

-Símbolos: el emperador Justiniano, que ofrenda un recipiente de oro, luce una aureola que resalta la condición divina de su cargo.

-Apoyo del Clero: se subraya por medio de la presencia del obispo Maximiano de Ravena, flanqueando por tres de sus subordinados.

-El crismón: el monograma de Cristo fue adoptado por Constantino, el primer emperador romano y cristiano.

-Belisario: Artífice de la conquista de Ravena en 539. A su lado figura otro general, presumiblemente Narsés.

-Influencias: los pliegues de las togas y de las túnicas detonan la influencia griega en la cultura bizantina.

Pintura del Antiguo Egipto. Hecho por Juliana Tschudy

La pintura del antiguo Egipto, fue eminentemente simbólica, funeraria y religiosa. La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco, o tempera ya que hacían de los pigmentos naturales, extraídos de temperas de diferentes colores, una pasta de color, que mezclaban con clara de huevo, y disolvían en agua, para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso.




Sus procedimientos fueron el fresco, el temple, el encausto, y a veces también el esmalte en joyas, amuletos, estatuillas de correspondientes azulejos de revestimiento en muros interiores.


Sus colores fueron vivos y variados en cada escena y las más antiguas pinturas parietales decorativas que se conocen fueron policromas, y de colorido uniforme. Los tintes base se obtenían: el negro, del carbón, el blanco de la cal, o el yeso, el amarillo, y rojo-ladrillo, del ocre natural del desierto, el verde, de la malaquita, y el azul, del lapíslázul.


Los egipcios pintaban los bajos relieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la identificación con la escultura y el arte pictórico. A partir de la dinastía IV la pintura sobre los muros de las tumbas es sustituida por bajorrelieves, adoptando sus principales convenciones.

  "La escuela de Atenas" Hecho por Florencia Cortizo.

    Rafael Sanzio nació el 6 de abril de 1483 en Roma y murió el 7 de abril de 1520, fue un pintor y arquitecto Italiano del Alto Renacimiento.

Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se han convertido en joyas del arte académico. El período de mayor influencia se extendió desde finales del siglo XVII hasta finales del siglo XIX, en que fueron muy admirados tanto su perfecto equilibrio como su decoro. Fue visto como el modelo perfecto de la historia de la pintura, y al mismo tiempo era considerado como el más elevado de la jerarquía de géneros.

    Esta obra renacentista: ”La escuela de Atenas” fue pintada por Rafael Sanzio entre los años 1510 y 1512. Es una de las pinturas más famosas de la época, forma parte de las estancias vaticanas pintadas en el siglo XVI.

    Se pueden observar las diferentes características del renacimiento:

              
        * Líneas rectas: se pueden ver en la arquitectura en la parte posterior de la obra.

                 

                *   Hombre centro del arte: en la pintura se ven a los hombres (filósofos) que están en el centro del arte, en una escuela de Atenas. Cada persona representada es un filósofo famoso.

     *  Perspectiva: se puede ver que los arcos del lugar están puestos con perspectiva porque se van achicando mientras se alejan. 

                                                             

La escultura bizantina. Hecho por Facundo Carmona

   La escultura bizantina es de dos tipos: enorme o pequeña, y en todo caso, escasa.
Contrariamente a la tradición romana, cuida poco las semblanzas. Las esculturas, en general, son frontales, hieráticas y formales. Los ojos, grandes y mirando hacia lo alto, pretenden trasmitir inquietudes trascendentales. Las estatuas mas grandes son de piedra (mármol, etc...) y las pequeñas son relieves organizados en dípticos portátiles hechos de marfil.
   Espacio y figura humana: 
   La figura humana en el imperio bizantino fue fuertemente vedada debido a que parte de la iglesia de oriente se opuso a cualquier representación de escenas o personajes sagrados. Esta postura llevó al comienzo de la iconoclasia en el año 726, cuando el emperador León III ordenó la destrucción por todo el imperio no sólo de los iconos, sino de todas las representaciones religiosas donde apareciera la figura humana. Únicamente el territorio bizantino de Italia se resistió a esta norma.

   Los artistas bizantinos aprendieron otra vez, estudiando los antecedentes clásicos, la representación de figuras vestidas en el estilo de paños o pliegues mojado. También intentaron sugerir la valoración de luces y sombras que crea la ilusión de espacio tridimensional y da vida a la superficie pintada.

   Sin embargo, las imágenes religiosas sólo se aceptaban si la figura humana no se representaba como una presencia física tangible. Los artistas bizantinos resolvieron este problema por medio de la abstracción, es decir, por medio de diseños planos que conservaran el interés visual de la composición mientras evitaban cualquier modela concreto y con ello cualquier apariencia corporal. De este modo establecieron convencionalismos para la representación de la figura humana que perduraron en el arte bizantino.

   Es característico del arte bizantino el espacio sumamente reducido, se anula el espacio, resaltando las figuras sobre fondos lisos, se unen entre sí sin perspectiva, quietas en sus gestos mecánicos.

La miniatura mozarabe: los beatos. Hecho por Melani Saligoi

Una de las series mas particulares y famosas de manuscritos de este periodo, es la llamada de los beatos. Con influencias muy diversas, estos manuscritos poseen en sus ilustraciones una gran originalidad, que se traduce en el empleo de colores muy vivos y una manera muy particular de tratar la figura humana.

La mayor parte son del siglo x y algunos posteriores ; no conocemos ningún otro manuscrito ilustrado que sea importante e inmediatamente posterior a la obra de Beato.

Se han comprobado, en estos manuscritos, elementos procedentes del fondo cultural hispánico de la Antigüedad tardía. Las ilustraciones de los manuscritos de Beato siguen un camino diferente de los manuscritos carolingios.

Algunos de los que eran capaces de producir manuscritos de este tipo son: San Miguel de Escalada, San Pedro de Cardeña, Valcavado, San Millan de la Cogolla, Valeranica o Tabara.

Las ilustraciones del texto de Beato tuvo un éxito mayor que las biblias ilustradas y las copias de lo que se llaman manuscritos beatos continuaran realizándose durante todo el periodo romántico y hasta muy entrada la Edad Media.

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